Crop., 2019-2021

Series of renderings and 3D prints, different sizes
Fabian Hesse & Mitra Wakil

In their latest project, Hesse & Wakil are working with databases from biotechnology: specifically, they are using 3D scans of agricultural plants such as millet, tobacco, tomato plants and weeds such as field bindweed. These data collections study plant growth behavior under different climatic conditions. From an economic perspective, biotechnology appears to be a necessary way out of the man-made environmental crisis. But are Big Data and genetic engineering really suitable for countering the climate catastrophe, or do they in turn create new problems whose impact on nature is as yet unimaginable?

For this series, whose title derives from the English „crop“ or „to crop“, Hesse & Wakil reorganize data from plant parts. They use specific algorithms and digital modeling to combine individual elements into new shapes. This gives rise to new, fantastic plant worlds – some of which appear floral, others humanoid. Their leaves, tubers and fruits merge to form surprising hybrids. In turn, Hesse & Wakil materialize the data sets generated from this process with the 3D printer as abstract sculptures in bioplastics and aluminum, lending their fictionalized representations a new object-like presence.

By explicitly focusing on errors and communication breakdowns in the field of supposedly limitless optimization possibilities, Hesse & Wakil subvert the normative modes of functioning of perfect systems and make irregularities artistically useful. Thus, the works evoke doubts about a man-made and optimized nature, yet draw from the possibilities of a data- and technology-based botany. The 3D objects oscillate between nature and technology and elude dichotomous conceptual pairs such as natural and artificial.
Crop traces the connection of disparate data sets to new entities as a central principle in Hesse & Wakil’s artistic practice. The exhibition situation invites to dive into the artistic design spaces of a technological and data-based concept of sculpture.

Text: Nadine Isabelle Henrich

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DE

Hesse & Wakil arbeiten in ihrem jüngsten Projekt mit Datenbanken aus der Biotechnologie: konkret nutzen sie 3D-Scans landwirtschaftlich genutzter Pflanzen wie Hirse, Tabak, Tomatenpflanzen und Beikräuter wie der Acker-Schmalwand. Diese Datensammlungen untersuchen das pflanzliche Wachstumsverhalten unter verschiedenen klima­tischen Bedingungen. Aus wirtschaftlicher Perspektive erscheint die Biotechnologie als notwendiger Ausweg aus der vom Menschen verursachten Umweltkrise. Doch sind Big Data und Gentechnik tatsächlich geeignet, um der Klimakatastrophe zu begegnen, oder erzeugen sie wiederum neue Probleme, die in ihren Auswirkungen auf die Natur noch nicht vorstellbar sind?

Hesse & Wakil reorganisieren für diese Serie, deren Titel sich vom englischen „crop“ wie dt. Ernte oder „to crop“ dt. wachsen/ ausschneiden herleitet, Daten von Pflanzenteilen. Sie verbinden dabei einzelne Elemente mithilfe von Algorithmen und digitaler Modellierung zu neuen Gestalten. So entstehen neue, phantastische Pflanzenwelten, die teils floral, teils humanoid wirken. Ihre Blätter, Knollen und Früchte verschmelzen zu überraschenden ­Hybriden. Die aus diesem Prozess generierten Datensätze materialisieren Hesse & Wakil wiederum mit dem 3D-­Drucker als abstrakte Skulpturen in Biokunststoffen und Aluminium, und verleihen damit ihren fiktionalisierten Darstellungen eine neue objekthafte Präsenz.

Indem Hesse & Wakil im Feld vermeintlich gren­zenloser Optimierungsmöglichkeiten explizit Fehler und Kom­munikationsstörungen fokussieren, unterlaufen sie die norma­tiven Funktionsweisen perfekter Systeme und machen Irregularitäten künstlerisch nutzbar. So evozieren die Arbeiten Zweifel an einer menschengemachten und ­opti­mierten Natur und schöpft dennoch aus den Möglichkeiten einer daten- und technologiebasierten Botanik. Die 3D Objekte oszillieren dabei zwischen Natur und Technik und entziehen sich dichotomen Begriffspaaren wie natürlich und künstlich.
Crop zeichnet die Verbindung disparater Datensätze zu neuen Einheiten als zentrales Prinzip in der künstlerischen Praxis von Hesse & Wakil nach. Die Ausstellungssituation lädt dazu ein in die künstlerischen Gestaltungsräume eines technologischen und datenbasierten Skulpturbegriffs einzutauchen.

Text: Nadine Isabelle Henrich

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Westpark Clouds, 2016

Community sculpture, Aluminium, 4 x 2 x 2 m
Fabian Hesse & Mitra Wakil

Westpark Clouds explores questions of community building and digital representation through the participatory usage of 3D-scanning and 3D-printing. The artists involve the inhabitants into performative transfigurations and translation processes of analogue and digital materials. The sculpture is permanently exhibited in the public space in a residential area in Munich.

Mit der lebensgroßen Skulpturengruppe Westpark Clouds reagierten Fabian Hesse und Mitra Wakil auf die Einladung, für ein neu entstehendes Wohnquartier im Münchner Westpark eine künstlerische Arbeit im öffentlichen Raum zu entwickeln. Der inhaltliche Ausgangspunkt des Projekts weist ein quasi phantasmagorisches Moment auf: ein neu entstehendes Retorten- oder Planviertel und damit die Entwicklung einer sich neugründenden Gemeinschaft, in der Routinen wie Regeln des Zusammenlebens erst formuliert und ausgehandelt werden müssen. Das Künstler-Duo Arbeit greift diesen Gedanken auf: Westpark Clouds zeigt eine zweiteilige Figurengruppe, entwickelt aus den manipulierten und bearbeiteten 3D-Scans, die sie von den neu hinzugezogenen BewohnerInnen herstellten. Die Entstehungsgeschichte der Scans und ihrer Präsentation ist von dem Gedanken einer demokratischen Gemeinschaft getragen. Mittels 3D-Scanverfahren stellten Hesse und Wakil dabei zunächst Einzelscans der BewohnerInnen her, die sie im nächsten Schritt über einander schichteten. So entstand eine bildnerische Vorlage, die sie mithilfe von 3D-Modellierprogrammen künstlerisch bearbeiteten und gestalteten, anschließend im 3D-Druckverfahren in Quarzsand druckten und schlussendlich in Aluminium abgossen.

Fabian Hesse und Mitra Wakil thematisieren in Westpark Cloudsdas Spannungsverhältnis zwischen Individuum und Kollektiv ähnlich wie Auguste Rodin in seiner Skulpturengruppe Die Bürger von Calais, das als erstes wahres Bürgerdenkmal der europäischen Moderne gilt. Indem sie in ihrem Werk auf zwei Hauptgruppierungen setzen und damit wie Rodin auf eine zentrale Ansicht oder Hauptfigur verzichten, zudem die Gruppe ohne Sockel präsentieren, heben sie die Hierarchie zwischen BetrachterInnen und Werk auf und etablieren damit die Demokratisierung der Skulpturengruppe. Die Betrachterinnen und Betrachter werden zudem selbst zu einem Teil der Arbeit, da sie sich, um die gesamte Skulptur zu erfassen, um die Figurengruppe bewegen und immer neu positionieren müssen. Während Rodin die Hände und Füße der individuellen Figuren vergrößerte, um den Figuren expressionistische Züge zu verleihen, installierten Hesse und Wakil „glitches“ in ihr Werk, indem sie Doppelungen, Überlagerungen, Leerstellen und Fehlinterpretationen, also Strukturen, die bereits in dem technischen Scan-Verfahren angelegt sind, einbauen oder verstärken. Mit Westpark Clouds geht es dem KünstlerInnen-Duo nicht um ein Duplizieren oder ein genaues Abbilden der Natur, sondern viel mehr um den Versuch Realität anders zu denken an einem Ort, dessen Potentiale erst noch entwickelt und beschrieben werden und der sich so noch durch große Offenheit auszeichnet. Das Ergebnis ist eine Darstellung unterschiedlicher Perspektiven in einem Bild, bei dem man aufgrund der eingebauten Verschiebungen und Manipulationen von den (möglichen) Frontansichten keine Vorstellung der jeweiligen Rückseite entwickeln kann. Die Entscheidung mit dem 3D-Scanverfahren zu arbeiten, liegt in dem Wunsch begründet, die Plastik zusammen mit den BewohnerInnen des neu entstehenden Viertels zu entwickeln. So wurde über ein Wochenende eine Scan-Station eingerichtet, die als ein temporärer Ort der sozialen Begegnung, eine Art Bühne des Selbst bildete. Die Teilnehmenden erlebten durch den performativen Akt des Scannens ungewohnte, virtuelle körperliche (Selbst)Wahrnehmungen und erfuhren zugleich etwas über die Nutzungs- und Gestaltungspotentiale der 3D-Technologie. Mit dieser Aktion wurde bewusst ein direkter Kontakt gesucht und an einen Grundsatz des „open designs“ angeknüpft, nämlich durch den Austausch von Wissen, Ideen und Fähigkeiten, eine demokratische Teilhabe zu ermöglichen. Durch die Einladung und das gemeinsame Scannen wurde während der Scan-Zeit ein gemeinschaftlicher Moment in den Entstehungsprozess eingeschrieben und ein sozialer Aspekt in der Rolle und Funktion angelegt, die die Skulptur als Kunstwerk im öffentlichen Raum in sich trägt: Sie thematisiert aktuelle Bezüge zum Ort, interveniert dort und lenkt die Aufmerksamkeit auf aktuelle inhaltliche Auseinandersetzungen.

Die hochauflösende Qualität der entstandenen Scans ermöglichte später den 3D-Druck hyperrealistischer Skulpturenelemente. Während Darstellungstechniken normalerweise Körper-Bilder erzeugen, die Zufälle, Schwankungen, Unregelmäßigkeiten und Brüche glätten, nutzen Hesse und Wakil die etwaigen „Scanfehler“ produktiv und lassen die komplexen, visuellen und ordnenden Strategien solcher Vermessungstechniken sichtbar werden: Der Prozess des 3D-Remix, also der bildlichen Zusammenfügung, hinterfragt das Moment der technischen Aufnahme und ihr Realitäts- und Repräsentationsversprechen. Indem mehrere Bilder, die zu verschiedenen Zeiten aufgenommen wurden, einen einzigen Aufnahmezeitpunkt suggerieren, wird die Aufnahme zu einem fiktiven Abbild. In diesen Überlappungen greifen die diversen Scans der einzelnen BewohnerInnen so ineinander über, dass ihre Grenzen nicht mehr eindeutig erkennbar sind. Das Ergebnis sind zwei Skulpturengruppen, deren Einzelfiguren durch Verschiebung und Kombinatorik in eine Art „gemeinsame Hypernähe“ versetzt werden, dabei jedoch immer als Individuum bestehen bleiben. In Opposition zu zeitgenössischen Verfahren der Disziplinierung der Körper, etwa durch datenerfassende und numerische Kontroll- und Optimierungsverfahren, entwickeln Hesse und Wakil jedoch einen lustvollen Umgang mit der Technik. Ihr Interesse gilt nicht der Perfektion der digitalen Oberflächen, stattdessen entwickeln sie einen spielerischen Umgang mit den Zufälligkeiten, dem „Noise“ und den Fehlern der Technik. Sie versuchen neue kulturelle Codes, Betrachtungs- und Lesebedingungen und neue Möglichkeiten für figurative und abstrakte Displays zu erfinden und erproben so, was die neuen Formen numerisch-basierter Modellierungen und Darstellung sein könnten. Im Prozess der Modellierung arbeiten sie bewusst mit Verfremdungsmitteln, die die Anordnung, Überlagerung, Skalierung, Unschärfe, Verdopplung, Spiegelung, Verzerrung und Verclusterung beeinflussen oder erzeugen. So arbeiten sie unter anderem mit den Größendimensionen, Copy&Paste, Sculp-tools und Mesh-Auflösungsverfahren, die an bestimmten Bereichen der Skulptur die technisch-bedingten Dreiecksgitterstrukturen zum Vorschein bringen. Hesse und Wakil nehmen die „glitches“ und Fehler des Scanprozesses nicht nur bewusst in Kauf, sondern sie forcieren diese. Das Erscheinungsbild der Skulpturengruppe changiert zwischen Fragment, Abstraktion, Überlagerung, Verzerrung und Verwischung. Sie präsentiert ein Nebeneinander von hyperrealistischen Scans einzelner Körperpartien – etwa einer Hand, an der feinste Strukturen sichtbar werden – mit dem haptischen Eindruck textiler Oberflächen und bis zur Unkenntlichkeit überlagerter Skulpturenfragmente. Gemeinsam bilden sie die hybriden Elemente der Skulptur. Eine Schwierigkeit dieser Praxis ist die unglaubliche Masse an Daten, aus denen Hesse und Wakil ein Werk entwickelt haben, das trotz Expressivität eine Neutralität des Ausdrucks beibehält. Es war ihnen wichtig, in der Skulptur keine Narration anzulegen, sondern stattdessen die reine Präsenz der einzelnen Figuren herauszuarbeiten. Westpark Clouds spiegelteinerseits eine Intimität durch die Nähe, Verschmelzung und Überlagerung der Körper wieder, legt aber zeitgleich Wert auf die Autarkie der einzelnen Figuren – so entsteht in der Skulptur, wie auch in dem Planviertel, ein widersprüchlicher Moment von sozialer Gemeinschaft wie distanzierter Anonymität gleichermaßen.

Die Nutzung des 3D-Modellierungs- und Druckverfahrens in der Produktion der Skulptur hatte für das Künstler-Duo viele Möglichkeitsräume des skulpturalen Arbeitens eröffnet. Die versammelte Datenmasse der abgebildeten BewohnerInnen war erheblich und brachte die eingesetzte Hardware und Software vielfach an deren Kapazitätsgrenzen. Zugleich ist das Experimentieren mit neuen Technologien – und wie dadurch die Darstellung und Wahrnehmung völlig neu konstruiert, manipuliert und verändert werden kann – ein inhaltliches Interesse, zu dem die beiden KünstlerInnen immer wieder arbeiten. Nach dem digitalen Modellierungsprozess, und der damit verbundenen Suche nach der richtigen Anordnung der Figurenelemente, wurde die Skulptur zuerst mithilfe eines industriellen 3D-Drucker in Quarzsand gedruckt und anschließend in Aluminium gegossen. Die Entscheidung Aluminium zu verwenden, war ein bewusster Schritt weg von anderen traditionelleren und historisch aufgeladenen Gussmetallen. Zudem lässt das Material die Skulptur vor Ort im Westpark durch seine Helligkeit und den leichten Glanz viel fragiler, fast unwirklich wirken und gibt der kaleidoskopartigen Verschiebung oder Verschachtelung der Westpark Clouds eine eigene Leichtigkeit. Hesse und Wakil haben die Skulptur auf einer Art grünen Insel vor einem zentralen Einkaufsplatz positioniert und diese damit als einem Ort des Verweilens markiert. Die Wirksamkeit der Figurengruppe Westpark Clouds beruht auf dem Moment der unerwarteten Begegnung, der Aneignung und Umdeutung dieses Orts.

Text: Anja Lückenkemper und Eylem Sengezer.

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Worlding – Nudges for posthuman play. Anstoss zum Weltenbauen, 2019

Cyberpunk Performances, collective Life-gaming tutorial, Filmscreening on ecologies, post-truth conversation

Akademie Schloss Solitude & Werkstatthaus Stuttgart
The event is initiated by Sahej Rahal in collaboration with Mitra Wakil and Fabian Hesse. 

How do we practice »Worlding« in the crappy present? Between the wreckage of co-working spaces and Amazon’s social networks which create bacteria from data and facts from lies? Seeking super solidarities in the age of mass-mining micro-feelings.

Akademie Schloss Solitude calls fellow (post-)humans, cyberpunks, 3D scanner shamans, and tentacular artificial intelligences to join us in a game of worldbuilding: in a two-day session, Stuttgart’s Werkstatthaus will transform into an experimental space with open conversations, film screenings, objects, a collective life-gaming tutorial, and a performance on rituals for cyberpunks. 

Day 1

Animal Hacker Analytics: Queer encounters with dark arts, shimmering endurances and toxic execution
Keynote lecture by Helen Pritchard

Day 2

Worlding with Hivemind
Collective tutorial on worldbuilding, guided by Sahej Rahal
In this tutorial, participants are invited to collaboratively design speculative worlds, working with 3D scanning, video-game programs & MIDI sound generators.

Toxic Truth Terrain
Conversation with Helen Pritchard, Pallavi Paul, and Matthias Böttger
In this conversation, the participants are invited to explore the question »How does a world constitute itself?«. The discussants will approach the question from three vantage points, namely the negotiation of facticity and reality in the formation of contemporary truth (Pallavi Paul), the relation of video-games and urbanism (Matthias Böttger), and the toxicity of computational ecologies (Helen Pritchard).

Tentacular Plastic Realism
Conversation with Mitra Wakil, Fabian Hesse, and Daniel Rourke
The conversation partners are invited to engage and entangle with »crapularity« – a term described as the opposite of »singularity« by Florian Cramer in his text »Crapularity Aesthetics« (2019) – by exploring the subversive potential of playing with plastic through 3D scanning and 3D printing technologies (Fabian Hesse & Mitra Wakil) and worlding with the materiality of horror (Daniel Rourke).

Augmented Rituals for Cyber-Shamans
Collective Performance

With contributions by: 
Matthias Böttger, architect, Berlin/Germany; Fabian Hesse, artist, HFBK Hamburg, Digital/Material Workshop, Berlin/Germany; Pallavi Paul, artist, New Delhi/India; Helen Pritchard, artist and lecturer in Computational and Digital Arts at Goldsmiths, University of London, London/Great Britain; Sahej Rahal, artist, Mumbai/India; Daniel Rourke, lecturer and co-convener of the MA in Digital Media at Goldsmiths, University of London, London/Great Britain; Mitra Wakil, artist, FabLab Munich, Munich/Germany 

http://www.akademie-solitude.de/en/events/september-27-28-2019-worlding-nudges-for-posthuman-playanstoss-zum-weltenbauen-with-sahej-rahal-fabian-hesse-and-mitra-wakil~no4003/

Wie funktioniert das »Weltenmachen« in unserer abgewrackten Gegenwart? Zwischen den Trümmern von Coworking-Räumen und verwoben in Amazons soziale Netzwerke, die Bakterien aus Daten und Fakten aus Lügen erzeugen? Auf der Suche nach Solidaritäten in Zeiten des Data-Mining von Mikrogefühlen.

Die Akademie Schloss Solitude lädt (Post-)Menschen, Cyberpunks, 3D Scanner-Schamanen und künstliche Tentakel-Intelligenzen zu einem Spiel des Weltenbauens ein: In einer zweitägigen Veranstaltung entsteht vom 27. bis 28. September im Werkstatthaus Stuttgart ein experimenteller Raum mit offenen Gesprächen, Filmvorführungen, Objekten, einem kollektiven Life-Gaming Tutorial und einer Performance über Rituale für Cyberpunks.

Tag 1

Animal Hacker Analytics: Queer encounters with dark arts, shimmering endurances and toxic execution
Keynote Lecture von Helen Pritchard

Tag 2

Worlding with Hivemind
Kollektives Tutorial über das Weltenbauen, angeleitet von Sahej Rahal
In diesem Tutorial werden die Teilnehmer*innen dazu eingeladen, mit 3D Scan-Verfahren, Spielprogrammierung und MIDI Tongeneratoren gemeinsam spekulative Welten zu entwerfen.

Toxic Truth Terrain
Gespräch mit Helen Pritchard, Pallavi Paul und Matthias Böttger
In diesem Gespräch werden die Teilnehmer*innen die Frage »Wie erschafft sich die Welt selbst?« untersuchen. Die Beitragenden nähern sich der Thematik von drei Blickwinkeln aus: im Hinblick auf die Verhandlung von Faktizität und Realität in der heutigen Herstellung von Wahrheit (Pallavi Paul), hinsichtlich der Beziehung von Videospielen und Urbanismus (Matthias Böttger) sowie in Bezug auf Toxizität von Ökoinformatik (Helen Pritchard).

Tentacular Plastic Realism
Gespräch mit Mitra Wakil, Fabian Hesse und Daniel Rourke
Im Sinne des Begriffs »crapularity«, den Florian Cramer in seinem Text »Crapularity Aesthetics« (2019) als Alternative zu »Singularität« beschrieben hat, laden die Gesprächspartner*innen dazu ein, das subversive Potential von Spielen mit Plastik durch Techniken des 3D Scannens und 3D Druckens zu erkunden (Fabian Hesse & Mitra Wakil), sowie Weltmachen mit der Materialität von Horror zu untersuchen (Daniel Rourke).

Augmented Rituals for Cyber-Shamans
Kollektive Performance

Mit Beiträgen von: 
Matthias Böttger, Architekt, Berlin/Deutschland; Fabian Hesse, Künstler, HFBK Hamburg, Werkstatt Digitales/Material, Berlin/Deutschland; Pallavi Paul, Künstlerin, Neu-Delhi/Indien; Helen Pritchard, Künstlerin und Dozentin in Computational and Digital Arts am Goldsmiths, University of London, London/Großbritannien; Sahej Rahal, Künstler, Mumbai/Indien; Daniel Rourke, Autor, Künstler und Dozent und Mitbegründer des MA Programms Digital Media am Goldsmiths, University of London, London/Großbritannien; Mitra Wakil, Künstlerin, FabLab München, München/Deutschland 

http://www.akademie-solitude.de/en/events/september-27-28-2019-worlding-nudges-for-posthuman-playanstoss-zum-weltenbauen-with-sahej-rahal-fabian-hesse-and-mitra-wakil~no4003/

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:-OZ, 2017

3D Plastik Biohypermedia Theater/ Ausstellung/ Performance
mit O-Team

Im Loop der Simulationen, auf halbem Weg zwischen realer Welt und dem großen Nichts; gleichzeitig tot und lebendiger. Hier, wo wir jetzt tätig sind, im schwangeren Monster der möglichen Zukünfte. Hier, wo globale Technowissenschaft alles zu einer gefügigen Masse verdaut. Hier, wo 3D-Drucker, ausgestattet mit den übernatürlichen Mächten von Plastik, noch-menschliche Vorstellungskraft in materielle Wirklichkeit kondensieren.

Wie können wir uns mit Fragen der digitalen Realität in einem analogen Medium wie dem Theater auseinandersetzen? Was passiert an der Schnittstelle zwischen physischer und virtueller Welt? Was wird ausgeblendet? Wie sieht die politische und ökologische Realität hinter den HighTech-Simulationen aus? Ausgehend von den Arbeiten der fiktiven Künstlerin Dorothy begibt sich O-Team auf die Suche nach einer künstlerischen Sprache um unsere von digitalen Bildern und errechneten Texturen überlagerte Gegenwart zu reflektieren. Durchsetzt von Motiven aus Lyman Frank Baums „Der Zauberer von Oz“ fragt das Projekt danach, wie sich unsere Wahrnehmung von Körpern und Biographien verändert. Wovon träumen virtuelle Körper? Welche Kräfte wirken auf sie? Können wir von Orten sprechen, wenn es keinen Boden gibt? Gemeinsam mit dem Bildenden Künstler Fabian Hesse, der Figurenspielerin Antje Töpfer und dem Musiker Ha$i entwickelt O-Team einen genreüberschreitenden Theaterabend zwischen Dokumentation, Diskussion und Musical, zwischen Aufführung Ausstellung und Performance, zwischen Realität und Simulation.

„Die Geschichte von :-Oz bemüht sich, ein modernisiertes Märchen zu sein, in dem Staunen und Freude bewahrt und Herzbeklemmungen und Alpträume weggelassen sind. Das alte Märchen, das Generationen gedient hat, wird jetzt als „historisch“ in der Kinderbibliothek geführt, denn die Zeit ist für eine Reihe neuerer „Wundergeschichten“ gekommen, aus denen die stereotypen Geister, Zwerge und Feen entfernt sind, zusammen mit all den schrecklichen und grauenerregenden Ereignissen, die sich ihre Autoren ausgedacht haben, um jeder Geschichte eine fürchterliche Moral zu verpassen.“  L. Frank Baum, Vorwort zum „Zauberer von Oz“, 1900

Tanz- und Theaterpreis der Stadt Stuttgart und des Landes Baden-Württemberg

09. April 2019, Theater Rampe, Stuttgart
Premiere im Dezember 2017, Theater Rampe, Stuttgart
Von und mit O-Team feat. Antje Töpfer, Fabian Hesse und Ha$i.
In Kooperation mit Theater Rampe, FITZ! Stuttgart und Pathos München. 

Regie, Licht, Bühne: Samuel Hof, Bühne & Kostüme: Nina Malotta, 
Bildende Kunst: Fabian Hesse, Musik: Ha$i, Figurenspiel & -bau: Antje Töpfer, Schauspiel: Folkert Dücker, Dramaturgie: Antonia Beermann, Sound & Video: Pedro Pinto, Produktion & Grafik: Markus Nießner

Gefördert durch den Fonds Darstellende Künste, den Landesverband freier Theater Baden-Württemberg e.V. aus Mitteln des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg, die Stadt Stuttgart und den Bezirk Oberbayern. Mit freundlicher Unterstützung von Karle Recycling.

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NSA/ Sand, 2015

Showcases, sandbanks, 3D print and 3D printed leftovers, quartz sand; ca. 4 x 2 x 2 m
Haus der Kunst Munich

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Klimadiagramm Lower Saxony, 2017

3D print, polylactide bioplastics, 50 x 50 x 50 cm

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SPAM, Metadata, N.N.NNNN, Data-Clasm, since 2012

3D prints, polylactide bioplastics, different sizes

Wires and entanglements, letters and algorithms are lent material form in Fabian Hesse’s series of data glitch sculptures such as „NSA“ from 2014. The 3D prints bespeak the furthest digital expanse and incursion of American civilization. The model would look the same for the NSA’s comrades in arms, Google, Facebook, Twitter, or Instagram, companies or ‚individuals‘ according to American law that are allowed to act in an imperialistic manner and remain impervious to public control in their conquest of digital and private space. The speed and dimension of the conquest is parlayed in the repetitive layering of hits or matches that seem metastasize outward in milliseconds from the center of this sculpture, whose actual core is obscured by the sheer mass of data. Herein we find the individuality so prominently put forward in an American Dream reduced to a nightmare of malicious algorithms and cool calculations, ones that are meant to be fed back and condition, or indeed to control their subjects. Targeted trolling gathers a surfeit of information that waits for deployment, while now and again leaking into public space, in ways that undermine the private sphere and old alliances. The sculpture hints at how this penetration and dissolution of the private works. Take a single line out of the matrix in the model and where does it lead you? „Trojan classic“: Now is that the brand name of a famous prophylactic „the Trojan rubber“, are we referring to the Iliad, or to trojans that can infect computers? Has someone cheated on her partner or displayed his learning? Or was an attempt being made to disrupt a power to undermine a state? Wires get crossed here as the private sphere is hollowed out and digital media made into a weapon. Fabian Hesse’s work allows for confrontation with the dangers of surveillance and misreadings executed at the margins of legality in America and with impunity outside of it.

Dr. John Czaplicka, Envisioning America, Galerie Hengevoss-Dürkop, 2019

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Venus von Willendorf (Cybergreen), 2014

3D print, polylactide bioplastics, ca. 20 x 20 x 20 cm

Die sogenannte Venus von Willendorf zählt zu den ältesten Skulpturen der Menschheit und war eines der ersten im Internet zirkulierenden 3D-Modelle eines historischen Kunstgegenstands. Fabian Hesse holt die wohl einem Fruchtbarkeitskult gewidmete Skulptur in den Diskurs der Gegenwartskunst zurück, indem er ihr mit dem digital umgebauten 3D Modell eine Figurine des 21. Jahrhunderts gegenüberstellt. Die Form wird aufgebrochen, hier zudem in Allusion an den biologischen Prozess der Zellteilung. Stein wird zu 3D gedruckter Plastik, das als menschen-gemachter Werkstoff nach Roland Barthes mehr als jedes andere Material die Idee permanenter Transformation repräsentiert. Das Werk nimmt die Erzählung über menschliche Reproduktion und technische Transformation, über Konzepte von Körperdarstellung, Fruchtbarkeit und Mutterschaft auf.

VENUS VON WILLENDORF (CELL DIVISION), 2012

3D print, polylactides bioplastics, ca. 20 x 20 x 20 cm

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Direct Diorama (i.i.i.live), 2020

Interaktive installation, Instagram livestream
HFBK Hamburg
Fabian Hesse, Helene Kummer, Merlin Reichart, Pablo Lapettina, Willy von Beckerath

Den theatralischen Zugang zum Direct Diorama bildet eine geschwungene Vorhangwand aus gesteppter Kunststofffolie. Dahinter öffnet sich die begehbare Rauminstallation. Ein Greenscreen bildet zugleich Hintergrund und Bühne. Hybride Elemente bevölkern die Szenerie – E-Roller versinken im Sand, Gallery-Sockel werden von Wasser überschwemmt. 3D-Drucke floraler Objektoide, von selbstständig agierenden Algorithmen gemorpht, gesellen sich zu Miniaturdarstellungen weiterer zeitgenössischer Phänomene.

Ausgangspunkt von Direct Diorama (i.i.i.) ist die Auseinandersetzung mit (historischen) Formen der Immersion und mit digitalen Materialitäten. Die interaktive Installation untersucht anthropozentrische und anthropomorphe Darstellungen von Natur, Landschaft und des Lebendigen, und projiziert sie in ein Social-Media-Setting.

Ab dem 19. Jhdt. entstanden Dioramen als neue Werkzeuge der Realitätserfahrung. Meist waren sie als in die Tiefe gebaute Schaubühnen konzipiert und mit diversen plastischen Gegenständen vor gemaltem oder fotografiertem Hintergrund angereichert. Durch wechselnde Beleuchtung wurden Bewegungen und Tageszeiten simuliert. Von der Schaustellerei bis zu Naturhistorischen Museen dienten Dioramen der Darstellung unzugänglicher und exotischer Szenarien. Die Motive reichten von kolonialistisch geprägten Perspektiven auf menschliche Lebensweisen bis zu Naturdarstellungen mit ausgestopften Tieren unter wissenschaftlichem Anspruch.

Die Besucher*innen des Direct Diorama werden Teil eines forensischen Greenscreen-Kosmos, welcher per Livestream während der Ausstellungsdauer unter https://www.instagram.com/i.i.i.live/?hl=de zu beobachten ist. Sowohl maschinelle/ digitale als auch beinahe einhundert Jahre alte malerische Sichtweisen (Willy von Beckerath) nehmen Teil. Die Szenerie wird gefilmt und in Echtzeit mit anderen Landschaften/ Kreationen überlagert. Schnelle Schnitte ähneln dem Effekt von Instagram-Stories. Die Benutzer*innen beobachten auf dem Screen, wie sie in verschiedene Szenarien versetzt sind und darin interagieren (bzw. dies verweigern etc). Das Versprechen der Interaktivität wird nur zum Teil eingelöst, denn tatsächliche Einflussnahme bleibt versagt. Ein livestream auf Instagram erweitert die Szenerie um eine zusätzliche Ebene. Daraus ergibt sich letztlich ein endloser Prozess des Morphings der Realität, in dem die Vielzahl der Ebenen sowohl zur Grenze als auch zu den Protagonisten der Bühne wird.

EN

A curving curtain wall made of quilted plastic foil forms the theatrical access to the Direct Diorama. Behind it, the walk-in room installation opens up. A green screen forms both background and stage. Hybrid elements inhabit the scenery, e-scooters sink into the sand, gallery pedestals are flooded by water, 3D prints of floral object-oids (morphed by independently acting algorithms) are combined with miniature representations of other contemporary phenomena.

The starting point of Direct Diorama (i.i.i.) is the encounter with (historical) forms of immersion and digital materialities. The interactive installation explores anthropocentric and anthropomorphic representations of nature, landscape and the living, and then projects them into a social media setting.

From the 19th century onwards, dioramas developed as new tools for experiencing reality. Most of them were designed as a stage built undergrounds and enriched with various sculptural objects in front of a painted or photographed background. By altering the lighting, movements and times of the day were simulated. Dioramas served to depict inaccessible and exotic scenarios ranging from fairground attractions to natural history museums. The visual themes ranged from colonialist perspectives on the human lifestyle to representations of nature with stuffed animals displayed for scientific demands.

The visitors of the Direct Diorama (i.i.i.) become part of a forensic greenscreen cosmos, which can be viewed via livestream during the exhibition at https://www.instagram.com/i.i.i.live/?hl=de. Both digital machineries and the almost one hundred year old Willy von Beckerath’s painting perspective take part. The scenery is filmed in real time and layered with other landscapes and creations. A fast editing process resembles the effect of Instagram Stories. The users observe on the screen how they are placed in different scenarios and interact with them, or refuse to interact. The promise of interactivity is only partially fulfilled, because the actual influence remains withheld. A livestream on Instagram adds an additional layer to the scenario. Ultimately an endless process of morphed reality  arises, in which the multiplicity of layers become both the frontiers as well as the protagonists of the stage.

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Designing Realities, 2018

Scores, participative actions;
Renderings, 3D prints; different sizes

Fabian Hesse & Mitra Wakil
Wimmel Research Fellowship
Zentrum für Forschung und Vorausentwicklung, Platform12, Bosch, Stuttgart-Renningen
Akademie Schloss Solitude, Stuttgart

What are necessary and inherent tendencies to misuse technologies? 
What are the possibilities of action for the individual(s) bodies? 
Programmable matter is becoming ubiquitous and is currently capable of transforming objects into data, and again data into objects – our thoughts, desires and needs. Using the means of play and fiction, Fabian Hesse and Mitra Wakil investigate technological research, human movement, programmable materials and physical representation during their residency as artists-in-situ at Platform 12 at the Bosch Research Campus in Renningen.

The artists invited researchers and employees of the campus to work with self-developed scores. These choreographic action notations, as borrowed from the Fluxus movement, were transformed into positions that contained specific questions and ideas about their work. How can one physically depict a subject of research? When does one find oneself in the role of representative of the company, in this case Bosch? When is one confronted with one’s own ignorance or doubts and how can one express them? And ultimately, what is the inherent purpose of the material in such processes?

Taking these questions as a starting point, Hesse and Wakil developed a project in which a 3D scanner records the self-developed scores. The scanner is used here as a tool to traverse hierarchies, resulting in 35 scans of actions and movements. The dialogical and performative format merged after multiple translation processes into a multimedia spatial installation of altered 3D prints.

From this process a dialogue between reflection, physical representation, framing and failure emerges, that is conveyed in a playful and funny way, with a high curiosity for trying out the unusual. Daily social structures, models, working systems and ideas are transformed into 3D models and eventually into an installation. Hesse and Wakil use participative and performative concepts to search for open spaces and stages, and alternative forms of expression. The main questions that arise here are how digitization can be used as a tool to reflect our imagination differently, and how can we develop a new ecology of programmed matter, made of things and beings? Can we then ultimately form a new reality and shape a new future? With this project Hesse and Wakil reflect on collateral events as central developments in technology research. In doing so, they resort to the simplest means of expression: the body. 

In 2015, the project Platform 12 has been set up as a permanent collaboration between the Akademie Schloss Solitude, Robert Bosch GmbH and the artistic duo Wimmelforschung. The Bosch Development Center in Stuttgart-Renningen is the worldwide development center for technological innovations of the Bosch Group. Platform 12 is an experimental space designed by Wimmelforschung in collaboration with Bosch as part of Bosch’s Corporate Sector Research and Advance Engineering in Renningen. The aim of the collaboration is to establish new forms of innovation culture through an exchange between the arts and research.

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